ITA - ENG
APRILE 2020
_________________________
Janne Parviainen è un artista finlandese di 38 anni.
E' uno degli artisti di light painting più conosciuti; e le sue esibizioni, le light installations e performances gli hanno garantito una serie di menzioni internazionali.
Con alle spalle 20 anni di esperienza come artista con uno stile ben riconoscibile caratterizzato da pittura ad olio che si combina con foglie di metallo, vetro e altri elementi, Janne ha anche insegnato pittura e disegno in giro per la Finlandia.
All images © courtesy of Janne Parviainen
Sito web: www.jannepaint.com
___________________________________________
In alcune tue interviste ho letto che ti piace scegliere i posti abbandonati per ambientare le tue foto perché “sono posti vissuti e pieni di storie da raccontare, sono diari perduti e nelle foto riemergono le vite passate in quei posti”. I soggetti che animano questi luoghi sono spesso scheletri, anime e mi chiedo quanta importanza abbia anche la componente narrativa dietro la nascita delle tue opere? Sono le storie a dare avvio al processo artistico o al contrario le immagini che svelandosi raccontano?
Quando fotografo in un nuovo ambiente cerco sempre di improvvisare in base ai sentimenti e alla visione dell'ambiente circostante. Di solito, la storia che voglio raccontare attraverso le mie foto è facile da trovare, dal momento in cui ho una buona idea di quali oggetti e ritmi funzionano bene nel raccontare una storia. I personaggi umani, come scheletri e figure delicate, sono un buon strumento per aggiungere elementi narrativi alla foto poiché possiamo leggerne facilmente il linguaggio del corpo.
I luoghi abbandonati sono alcuni dei miei posti preferiti in cui scattare foto perché hanno una bellezza poetica e sono pieni di storie da raccontare. Nei luoghi abbandonati la vita è tranquilla e puoi sintonizzarti più facilmente per ascoltare ciò che ha da dire e per liberare la tua immaginazione. Una delle mie cose preferite è raccogliere rifiuti e altri oggetti interessanti dai luoghi e costruire sculture di rifiuti improvvisate per accompagnare i dipinti di luce nelle foto. Come nelle mie installazioni in studio, mi piace l'idea che l'arte che realizzo sia solo temporanea e possa essere portata in pezzi o dipinta dopo lo scatto della foto. C'è qualcosa di molto zen nel lavorare a lungo su qualcosa che sai che sparirà il giorno dopo, è l'atto di fare che conta di più.
Mi piace l'idea che la tua scelta della light painting sia legata anche alla possibilità che ti da di continua evoluzione e cambiamento. Credi che il cambiamento possa toccare più avanti anche il mezzo , evolvendosi in modo differente? Hai già magari delle idee al riguardo?
La cosa principale che amo nella light art è che apre la strada. E' come se fossi su un ottovolante verso nuovi modi di pensare e come creare arte. Sono sicuro che anche la tecnica stessa cambi sempre, e la light art e la light painting sono entrambe tecniche relativamente nuove a dobbiamo ancora scoprire fino a dove può arrivare. La prima cosa che mi ha attratto di più quando ho trovato la light painting è stata l'idea del numero di possibilità che offre il mezzo. Con le nuove innovazioni luminose che arrivano continuamente e con gli artisti che collaborano e sviluppano idee grazie anche al lavoro reciproco, le possibilità sono infinite. L'unico rischio nel rallentare il processo con la light art è il mezzo stesso. Poiché la luce crea effetti interessanti così facilmente, è facile accontentarsi solo di questo senza vedere le possibilità dietro l'effetto wow.La cosa principale che amo nella light art è che apre la strada. E' come se fossi su un ottovolante verso nuovi modi di pensare e come creare arte. Sono sicuro che anche la tecnica stessa cambi sempre, e la light art e la light painting sono entrambe tecniche relativamente nuove a dobbiamo ancora scoprire fino a dove può arrivare. La prima cosa che mi ha attratto di più quando ho trovato la light painting è stata l'idea del numero di possibilità che offre il mezzo. Con le nuove innovazioni luminose che arrivano continuamente e con gli artisti che collaborano e sviluppano idee grazie anche al lavoro reciproco, le possibilità sono infinite. L'unico rischio nel rallentare il processo con la light art è il mezzo stesso. Poiché la luce crea effetti interessanti così facilmente, è facile accontentarsi solo di questo senza vedere le possibilità dietro l'effetto wow.
C'è un messaggio un po' ambivalente che proviene dai tuoi lavori. C'è un senso cupo dato dai luoghi abbandonati , dai fantasmi che li animano ma è forte anche l'idea di humor che si legge molto spesso tra le righe . Qual è il messaggio che vuoi che trapeli dalle tue opere cosa vuoi comunicare ? Chi è il pubblico a cui ti rivolgi?
Il mio pubblico è chi si ferma a vedere la mia arte e scopre che ha qualcosa da dirti, sia che si tratti di un'installazione o di una foto di light painting. L'arte è una cosa così intima, che non puoi definire un pubblico specifico, è più che altro quanto sei aperto a sentire ciò che l'arte ha da dirti in quel momento.
Credo nella spontaneità e la storia che voglio raccontare ad ogni lavoro arriva mentre pianifico la foto sul set. Seguo solo le linee che sento e la storia inizia a costruirsi insieme. Con tutta le opere che faccio, nel momento in cui comincio a creare mi sembra di avere una grande bolla dentro di me che devo trasformare in una forma fisica, come un pezzo d'arte.
Non mi è mai piaciuto che l'arte venisse digerita troppo facilmente, come dare risposte facili o cercare di costringere gli altri alle tue opinioni. Ciò significa che stai sottovalutando il tuo pubblico ed è, purtroppo, qualcosa che vedo molto spesso. Le persone possono sentire ciò che hai da dire (se hai qualcosa da dire), ed è più efficace se viene attraverso un processo di pensiero naturale basato sugli indizi che lasci nella tua arte, invece di spingerlo in faccia. La sensazione ambivalente delle mie opere d'arte può provenire dallo stesso modo di pensare, le cose abbastanza raramente sono bianche o nere. Il dolore e la felicità possono essere secondi l'uno dall'altro e spesso accadono allo stesso tempo. Questo mondo astratto ha bisogno di modi astratti per rappresentarlo.
Ho visto diversi video che documentano i passaggi e i preparativi dietro ai tuoi lavori. Come vivi questa sezione del lavoro come una documentazione, hanno una funzione puramente pratica di divulgazione e analisi o le vivi come un atto performativo? O magari nessuna di queste opzioni...
Sento che i video sono una parte importante del lavoro, dando alla foto di light art una storia più ampia e una comprensione più profonda di come l'opera è stata realizzata. Le ore e ore che trascorro per creare lo scenario di una singola foto sono un viaggio per me. È una sorta di meditazione perdersi nel labirinto che il tuo cervello sta creando di fronte a te, quindi sì, descriverei i video più come una performance che fa parte del lavoro più grande.
Mi è sempre piaciuto molto il video editing, dal momento che sembra più scolpire che modificare. La video arte è qualcosa su cui mi concentrerò sicuramente di più in futuro, e la combinazione di light art e video arte sarà nuovo percorso da intraprendere.
Puoi raccontare i dettagli della tua tecnica artistica in light topography?
Per le mie foto topografiche traccio intere stanze o spazi con una luce a led a volte in piedi, raggiungendo il tetto e strisciando sotto i tavoli, quindi è piuttosto un esercizio nel complesso. Le foto topografiche richiedono molto tempo per essere eseguite. Di solito, i tempi di esposizione variano da 20 minuti a oltre un'ora. Ho fatto molte volte una pittura topografica di una scala e dopo aver corso e strisciato su e giù per un paio di centinaia di volte sono stato tutto sudato. Una cosa che la light painting coltiva davvero è il senso di uno spazio tridimensionale, quindi dopo migliaia di foto è abbastanza facile dire quali parti nell'area della foto devi tracciare e quali parti devono ancora esserlo. Inoltre, prima di iniziare a lavorare sul tracciamento delle linee, studio attentamente l'area delle foto e provo a memorizzare su quali parti devo lavorare.
Nella sezione dedicata alle light figures queste hanno subito un'evoluzione da fantasmi di luce a scheletri c'è un'evoluzione successiva o le figure hanno raggiunto l'immagine che volevi rappresentare?
Le figure luminose si sono evolute in scheletri a causa delle nuove idee dei nuovi dintorni. A un certo punto stavo scattando foto in un luogo in cui un enorme edificio veniva portato giù muro dopo muro in modo che l'intero edificio sembrasse uno scheletro di un edificio. Ho pensato di disegnare uno scheletro all'interno delle mie figure luminose per illustrare meglio l'ambiente circostante e da lì l'idea ha iniziato a vivere la sua stessa vita, a un punto in cui per lo più ho disegnato scheletri di luce su tutte le mie foto. Mi piacciono i percorsi che l'arte ci indica di percorrere, e seguendo quei percorsi, le tecniche e il carattere che utilizzo si sono evoluti in quello che sono oggi. Sono incuriosito dal vedere dove la mia arte si evolverà in futuro e sono molto aperto a percorrere i percorsi che mi porteranno lì. Senza progressi dove saremmo e quanto sarebbe divertente creare arte, se fosse sempre la stessa cosa?
Nelle tue installazioni generalmente ci sono delle linee prospettiche che rivelano un'ambiente nell'ambiente, dato che è visibile il luogo dietro alle linee di luce da te create. Cosa ti spinge a creare questa doppia visione dello spazio?
Mi piace molto l'idea che l'immaginazione possa far sparire le pareti e, creando disegni anamorfici, quest'idea è più vicina alla sua manifestazione fisica possibile! Ho iniziato a disegnare i disegni anamorfici nel ripostiglio del mio studio e dopo alcuni mesi l'intero studio trilocale è stato coperto da essi. La stanza principale del mio studio era relativamente piccola, quindi mi piaceva l'idea di poter trasformare quella piccola area in uno spazio infinito usando la mia immaginazione. Una cosa che amo nel realizzare i disegni anamorfici è sfidare me stesso, sia fisicamente che mentalmente, dal momento che hanno molto lavoro da fare, specialmente quando devi pianificare che vengano fatti metà con disegni e metà con luce. Ora al tempo della quarantena, ho cercato di diffondere questo messaggio del potere della nostra immaginazione creando disegni anamorfici e dipinti di luce a casa con i miei figli e condividendoli sui social media. Una cosa che non può essere messa in quarantena è la nostra immaginazione, ed è il nostro potere di sognare i muri di distanza.
