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NOVEMBRE 2021
Mitch Dobrowner scopre la fotografia da giovane attraverso i lavori di Ansel Adams e Minor White. Questo incontro lo segnerà per il resto della sua carriera guidandolo nei suoi viaggi alla ricerca di fenomeni ed eventi naturali. Nei suoi lavori madre natura viene catturata dall'obiettivo del fotografo che attraverso le sue immagini in bianco e nero ferma un istante e lo regala all'eternità.
All images © courtesy of Mitch Dobrowner
Sito web: http://mitchdobrowner.com
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Come è nato il tuo interesse per la fotografia?
La prima volta che ho preso in mano una macchina fotografica avevo 17 anni; ne sono diventato rapidamente dipendente. Mentre cercavo di capire chi fossi e cosa fosse la fotografia, mi sono imbattuto nelle immagini di Ansel Adams e Minor White, che mi hanno ispirato nella mia tarda adolescenza. Non ero mai stato esposto a immagini fotografiche come le loro prima di allora. La prima volta che ho visto il loro lavoro sono rimasto basito... Ero al Museum of Modern Art di New York City. Può sembrare un po' un cliché, ma le immagini hanno lasciato un segno importante nella mia vita. Il loro lavoro è stato per me sbalorditivo. Ansel parlava di luce, composizione, ordine nel disordine, contatto con l'ambiente mentre affrontava tutti gli aspetti tecnici della fotografia. I libri di Ansel The Camera, The Print e The Negative sono diventati le mie bibbie. Mi sono intriso delle sue immagini e per questo ho iniziato a sperimentare forme astratte surreali e a osservare da vicino come la luce si muoveva in un ambiente. Non ci sarà mai un altro Ansel Adams. Non ci sarà mai un altro Minor White. Devo molto a questi grandi fotografi del passato, in particolare Ansel Adams, per la loro dedizione al mestiere. La loro dedizione, determinazione, maestria e visione mi ispirano ancora. Anche se non li ho mai incontrati, mi hanno aiutato a determinare il corso che avrebbe preso la mia vita.
Come pianifichi praticamente i tuoi viaggi per ritrarre le tempeste?
Di solito pianifico i miei viaggi con circa 9 mesi di anticipo. Mi piace uscire a fine giugno o all'inizio di luglio con il mio amico Roger Hill. Mi piace farlo perché penso che siano le cose inaspettate che Madre Natura ti lancia addosso che rendono emozionante fotografarle.
Perché hai scelto di fotografare in bianco e nero? E perché hai scelto di ritrarre tempeste?
È piuttosto semplice: il bianco e nero interpreta la realtà in un modo che io “vedo” come fotografo. Mia moglie (che è una designer e pittrice) mi prende sempre in giro e dice che sono daltonico. Ma non lo sono, semplicemente non conosco i nomi di tutti i colori. Come si descrive la terracotta se non si conosce il nome di quel colore? E l'unica volta che vedo a colori è quando ascolto musica. Vedo musica/orchestrazioni nei loro vari toni. Non so perché... ma è quello che vedo. Anche il lavoro a colori mi sembra troppo realistico, noioso e "quotidiano". È quello che vedo ogni volta che mi guardo intorno, quindi è noioso per me. Sono anche bombardato da immagini a colori, che siano su Internet, in TV, cartelloni pubblicitari, film, riviste, ecc. Sono piuttosto visivo, quindi la maggior parte di esse porta solo a un sovraccarico sensoriale. Così ho deciso di lasciare la fotografia a colori ai grandi fotografi a colori là fuori. Vedo anche le stampe in bianco e nero come la mia visione finale, il prodotto finale. I JPG su Internet sono solo un proxy di quella visione finale. Amo le sfide estetiche e tecniche (come artista) di generare stampe in bianco e nero di qualità museale.
Puoi parlarci della serie Trees? Cosa vuoi raccontare con questa serie? Cosa ti ha ispirato?
Essendo cresciuto sulla costa orientale degli Stati Uniti, ho sempre amato gli alberi. Quando ho ripreso in mano la macchina fotografica nel 2005, il primo soggetto che ho iniziato a fotografare erano gli alberi, perché per qualche motivo erano il soggetto in quel momento che più mi intrigava e mi ispirava.
C'è qualche aneddoto in particolare che vorresti raccontare sui tuoi viaggi?
Il luogo più impressionante che abbia mai fotografato è Shiprock New Mexico (USA), anche se ce ne sono stati altri che si sono avvicinati al secondo posto (es: la tempesta di Valentine Nebraska è un'altra). Ma Shiprock è stato molto speciale per una serie di motivi. Sebbene non avessi visto la formazione di persona, questa roccia ha toccato qualcosa di profondo dentro di me. Penso che fosse perché sapevo che è il centro spirituale della Navajo Nation, o forse perché è il residuo di un antico vulcano. Ma questa combinazione di storia e geologia ha acceso qualcosa. Così ho viaggiato con la mia famiglia nell'area di Four Corners del New Mexico per fotografarlo. Quando sono arrivato (a Farmington NM) sono stato totalmente sopraffatto dal mio primo avvistamento di questa formazione. Nei dieci giorni successivi mi sono svegliato a ore empie per guidare lunghe distanze per arrivare alle prime luci, e poi sono partito ogni giorno dopo il tramonto per cogliere l'ultima luce guidando su rocce, fango, neve, pioggia e sabbia . Quando siamo arrivati a fine dicembre, le condizioni meteorologiche hanno reso le fotografie fredde/congelate, lunatiche e atmosferiche, oltre a congelare le dita delle mani e dei piedi. Ho trascorso i primi otto giorni guidando, esplorando e sedendomi tranquillamente nell'area circostante Shiprock. Sembrava anche che più tempo passavo nella zona, più sapevo che avrei dovuto essere paziente nonostante il freddo. La mattina dell'ottavo giorno mi sono svegliato alle 4:30 e sono salito sul mio camion sotto la pioggia gelata e la neve, con una tazza di caffè caldo. Da Farmington, il viaggio verso Shiprock era di circa 50 miglia solo andata. Nevicava e poi pioveva, era buio e gelava. Il termometro del mio camion indicava tra i due ei dodici gradi sopra lo zero (Fahrenheit). Poiché questa era l'ottava volta in otto giorni che facevo questo viaggio (durante questa visita), la mia mente continuava a dire: "Perché esci di nuovo quando avresti potuto stare con la tua famiglia in un letto caldo? Sei un idiota. Non otterrai nulla". Ma mi sentivo guidato, perché volevo catturare l'immagine per cui avevo guidato per 800 miglia dalla California.
Quando finalmente arrivai a Shiprock quella mattina erano circa le 5:45. Il sole stava sorgendo e lo Shiprock era dietro un muro di nuvole. Quando finalmente mi fermai e uscii con la mia macchina fotografica e il treppiede, affondai fino alla caviglia nel fango freddo. Ma quando ho alzato lo sguardo, ho capito che quello che stava per succedere davanti a me era la cosa per cui avevo fatto tutta questa strada. Quindi per le tre ore successive mi sono seduto di fronte a Shiprock... non un'anima in giro, e mi è sembrato che avessimo avuto una conversazione. Questi sono i tempi in cui è quasi come se Madre Natura dicesse: "Oh sì, sei qui per un'istantanea? Dimostramelo per davvero.' E alla fine se ci sei, quando ti sintonizzi davvero ... è quello che è successo con Shiprock. Questa esperienza mi ha mostrato che se ero tenace, non mi arrendevo e credevo in me stesso avrei potuto ottenere qualsiasi cosa. La mia speranza è che l'immagine presentata aiuti a comunicare ciò che ho visto e l'umiltà che ho provato fotografando questa straordinaria struttura.
Hai parlato degli artisti che ti hanno influenzato in passato, c'è qualche artista oggi che trovi particolarmente interessante?
Non guardo molto il lavoro di altri fotografi; nel mio mondo quotidiano di impegni, responsabilità familiari, il quotidiano di immagini su Internet e tutto il trambusto della vita posso facilmente sentirmi sopraffatto e sperimentare un sovraccarico sensoriale . Ma i tre artisti di oggi che mi ispirano sono Nick Brandt, Pentti Sammallahti e Michael Kenna poiché tutti e tre sono originali, appassionati e hanno visioni uniche.
Dopo una pausa di qualche anno, nel 2005, hai ripreso a fotografare. Quanto è cambiata la tua fotografia?
Penso che la pausa sia stata benefica poiché nel corso degli anni penso che la mia visione di ciò che è realmente la vita sia diventata più focalizzata. Quindi penso che la mia fotografia sia cambiata così come sono cambiato e cresciuto come persona; e che il modo in cui vedo il mondo oggi è diverso da come lo vedevo 25 anni fa. Oggi la fotografia è il mio modo per comunicare come mi sento senza parole. Quando sono fuori a girare, le cose sembrano di nuovo semplici, il tempo rallenta e il mondo intorno a me si calma. È allora che sono in grado di concentrarmi in un modo che mi permette di connettermi con la mia immaginazione. Quei momenti sono il modo in cui ho imparato a "fermare la mia anima"; è il mio posto felice.
Dove pensi ti porterà in futuro la tua ricerca artistica?
Mi piacerebbe in qualche modo portare avanti l'eredità della fotografia in bianco e nero, anche se non è questo il mio intento. E anche se sono felice di alcuni dei riconoscimenti che ho avuto in passato, la cosa che mi piace di più è il riconoscimento ancora una volta della fotografia di paesaggio in bianco e nero. E questo non per me, ma per le migliaia e più di grandi fotografi di paesaggi nel mondo. Penso che la gente a volte pensi che il lavoro di Ansel, Minor White o Edward Weston sia stato la fine dell'era (della grande fotografia di paesaggi in bianco e nero) ma credo che ce ne siano altri là fuori che possono espandere il loro punto di vista. E so che questo è ciò che Ansel e gli altri vorrebbero... poiché l'arte ha sempre avuto un valore intrinseco e, come anche la musica, è un elemento fondamentale della società. Fa parte di noi fin dall'inizio dell'umanità. È importante che l'arte continui ad evolversi e ad ispirare.... soprattutto con i cambiamenti nella nostra società e come influenzerà le generazioni future. L'ARTE rappresenta quel luogo tranquillo, un luogo che può ispirare e consentire alle persone di tornare in contatto con se stesse . È importante che l'arte continui ad evolversi e ad ispirare l'umanità. Quella passione per migliorare te stesso ed esprimere come puoi in qualche modo migliorare il mondo per le generazioni future dovrebbe da sola riaccendere le persone.
