Kalle Hellzén è un artista multidisciplinare con una forte esperienza nel design, nell'innovazione digitale e nel cinema. La sua carriera pittorica invece è relativamente recente e prende a piene mani influenze da questi diversi ambiti.
Le sue opere sono un racconto interiore in cui figure che attingono direttamente dai suoi ricordi sono sospese in questi mondi isolati e solitari immersi in colori sgargianti, colori figli della sua visione particolare e personalissima.
All images © courtesy of Kalle Hellzén
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ITA - ENG
DICEMBRE 2023
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Come hai iniziato il tuo percorso artistico? Hai sempre lavorato con queste
tecniche o ne hai usate di diverse? Hai altri strumenti e tecniche
che pensi di voler utilizzare in futuro?
Il mio percorso artistico è iniziato col design grafico, con la direzione artistica, l'innovazione digitale e la direzione cinematografica, dove ho affinato le mie capacità nel creare immagini sorprendenti e storie forti e singolari.
È stato solo più tardi, ben oltre i quaranta, che mi sono avventurato nella pittura. Questo cambiamento ha segnato
una transizione significativa nella mia espressione creativa, fondendo la mia vasta esperienza nel design con la pratica più introspettiva della pittura. Il mio unico rammarico è non aver scoperto prima
la gioia e l'appagamento della pittura.
tecniche o ne hai usate di diverse? Hai altri strumenti e tecniche
che pensi di voler utilizzare in futuro?
Il mio percorso artistico è iniziato col design grafico, con la direzione artistica, l'innovazione digitale e la direzione cinematografica, dove ho affinato le mie capacità nel creare immagini sorprendenti e storie forti e singolari.
È stato solo più tardi, ben oltre i quaranta, che mi sono avventurato nella pittura. Questo cambiamento ha segnato
una transizione significativa nella mia espressione creativa, fondendo la mia vasta esperienza nel design con la pratica più introspettiva della pittura. Il mio unico rammarico è non aver scoperto prima
la gioia e l'appagamento della pittura.
La tua tecnica mescola passato e futuro; puoi dirci di più su questo aspetto?
La mia tecnica artistica è un'interazione dinamica tra passato e futuro, in cui ogni opera d'arte diventa contributo e parte in una narrazione creativa più ampia.
Questo processo inizia con i tradizionali dipinti a olio e acrilici, che considero "Generazione 0".
Questi lavori iniziali sono profondamente personali e catturano i miei temi, colori e soggetti, costituendo la base della mia esplorazione artistica.
Ciò che rende unico il mio approccio è il modo in cui interagiscono questi dipinti originali. Utilizzando l’intelligenza artificiale generativa, mescolo elementi di questi lavori, consentendo loro di ispirare nuove creazioni.
È come se ogni quadro dialogasse con gli altri, influenzato da questi
colori, forme ed emozioni.
In questo processo, l’intelligenza artificiale agisce come mediatore e potenziatore, aiutandomi a fondere, giustapporre e trasformare questi pezzi originali. Non si tratta solo di creare nuova arte partendo dal vecchio, ma di permettere a questi singoli pezzi di informarsi e rimodellarsi a vicenda, creando un ciclo continuo di rinascita artistica.
Questa tecnica rappresenta un punto d'incontro tra passato e futuro, dove le tecniche e i temi pittorici tradizionali incontrano le possibilità innovative della tecnologia digitale. È un modo di creare arte radicata in pratiche storiche e spingersi verso territori nuovi e inesplorati. Questo metodo mi consente di mantenere la conversazione all'interno del mio lavoro, in costante evoluzione e crescita con ogni nuovo pezzo.
Questo processo inizia con i tradizionali dipinti a olio e acrilici, che considero "Generazione 0".
Questi lavori iniziali sono profondamente personali e catturano i miei temi, colori e soggetti, costituendo la base della mia esplorazione artistica.
Ciò che rende unico il mio approccio è il modo in cui interagiscono questi dipinti originali. Utilizzando l’intelligenza artificiale generativa, mescolo elementi di questi lavori, consentendo loro di ispirare nuove creazioni.
È come se ogni quadro dialogasse con gli altri, influenzato da questi
colori, forme ed emozioni.
In questo processo, l’intelligenza artificiale agisce come mediatore e potenziatore, aiutandomi a fondere, giustapporre e trasformare questi pezzi originali. Non si tratta solo di creare nuova arte partendo dal vecchio, ma di permettere a questi singoli pezzi di informarsi e rimodellarsi a vicenda, creando un ciclo continuo di rinascita artistica.
Questa tecnica rappresenta un punto d'incontro tra passato e futuro, dove le tecniche e i temi pittorici tradizionali incontrano le possibilità innovative della tecnologia digitale. È un modo di creare arte radicata in pratiche storiche e spingersi verso territori nuovi e inesplorati. Questo metodo mi consente di mantenere la conversazione all'interno del mio lavoro, in costante evoluzione e crescita con ogni nuovo pezzo.
Come si sviluppa il tuo laboratorio? Come è strutturato?
Il mio atelier è il luogo in cui l'arte tradizionale incontra l'innovazione digitale, ma è anche il parco giochi di un artista. È pieno di vari materiali artistici, gadget e computer, che riflettono il mio amore per la sperimentazione e l'apprendimento. Mi concentro anche sul catturare il processo creativo, aggiungendo un ampio elemento dietro le quinte al mio lavoro e al mio viaggio che in qualche modo fa parte dell'opera d'arte dandogli un significato che può andare ben oltre qualsiasi mostra. Riguarda il pezzo finale e il viaggio vivace, a volte caotico, per arrivarci.
I colori vibranti nel mio lavoro, derivanti dal mio daltonismo, non mascherano ma piuttosto esaltano temi emotivi come l'ansia e la tristezza. Questa giustapposizione, che io chiamo "malinconia immersa nel sole", crea un contrasto avvincente.
La luminosità dei colori accentua la profondità di queste esperienze umane, evidenziando la complessità e l'intensità di sentimenti come l'alienazione e il dolore, offrendo così una comprensione più profonda e sfumata di questi stati emotivi.
Allo stesso tempo, cerco il minimalismo e la semplicità nel risultato finale, concentrandomi sulle emozioni e sulle scene, eliminando la complessità per rivelare l'essenza.
Cosa puoi dirci dell’edizione limitata White Bird? Come ti avvicini a quest'altro mezzo che usi nella tua arte?
L'edizione limitata White Bird è una resa 3D della mia opera d'arte "Bird", realizzata in poliammide naturalmente bianca e leggermente traslucida. Questa scelta del materiale aggiunge una qualità delicata, quasi eterea al pezzo, enfatizzando i temi dell'equilibrio, della prospettiva e della tranquillità. Portando il concetto bidimensionale in una forma tridimensionale, questa edizione rappresenta una nuova dimensione nella mia esplorazione artistica.
Simboleggia il fragile equilibrio in cui navighiamo nelle nostre esperienze personali e sociali, reso in un mezzo che cattura perfettamente l'essenza della sua natura transitoria e sfuggente. Questa transizione dalla carta alla forma fisica offre una nuova prospettiva sui temi sottostanti e un'esperienza tattile, rilassante e visivamente coinvolgente in qualsiasi spazio.
Le figure protagoniste delle tue opere sono spesso sole e quasi meditative in ambienti privi di altre figure umane. Cosa vorresti raccontare con le loro storie? Chi sono?
Le figure solitarie nelle mie opere, catturate in momenti di pausa – a metà autunno, a metà della vita, a metà del sogno – rappresentano più che individui isolati. Sono frammenti di ricordi ed echi delle persone della mia vita, inclusi me stesso, mia moglie e mio padre. Queste figure, raffigurate negli spazi liminali, simboleggiano l'esperienza umana universale di introspezione e solitudine. Questa rappresentazione è una scelta artistica e un riflesso delle mie esperienze. Essendo daltonico e affetto da un disturbo d'ansia, mi sono spesso sentito alla periferia, osservando dalla periferia, sentendomi un outsider.
Questa dualità di essere presente e allo stesso tempo distanziato permea la mia arte, trasformando ogni figura in una rappresentazione del viaggio emotivo collettivo che da qualche parte nel profondo condividiamo tutti.
Essere un artista daltonico crea una visione molto personale del mondo che rappresenti. Puoi parlarcene?
La mia esperienza come artista daltonico ha profondamente plasmato la mia comprensione e il mio uso del colore. Inizialmente il colore mi intimidiva; Gravitavo verso il blu e il nero nei miei vestiti e rimettevo ad altri le decisioni sui colori. La situazione è cambiata quando ho iniziato a dipingere. Ho scoperto che la mia percezione unica del colore non era un ostacolo ma un punto di forza. È diventato un mezzo attraverso il quale potevo evocare forti emozioni e raccontare storie avvincenti. Ora, il colore per me è più di un elemento visivo; è un modo profondo di comunicare emozioni ed esperienze, permettendomi di connettermi con le persone a un livello più profondo e unico attraverso la mia arte.
Quali sono i tuoi progetti futuri?
"Heroes" La mia serie recente di stampe in edizione limitata, "Heroes", è una serie che approfondisce la resilienza discreta ma profonda che incontriamo quotidianamente.
Si tratta di rendere omaggio all'eroismo non celebrato che si trova nella gente comune. La serie esplora temi come l’insicurezza, la solitudine e le varie sfide che tutti affrontiamo, evidenziando gli atti di coraggio e perseveranza spesso trascurati. Ogni pezzo di "Heroes" è realizzato per celebrare questi momenti tranquilli ma significativi di coraggio e trionfo nello spirito umano.
Il messaggio centrale è che l'eroismo non è sempre forte o grandioso; a volte, è sottile quanto la determinazione interiore di riprovare ad andare avanti nonostante le probabilità.
“Lonescapes”: questa nuova impresa rappresenta un’immersione profonda nei paesaggi della mia arte e, per estensione, dentro di me. 'Lonescapes' si discosta dai miei lavori precedenti, in cui le figure spesso abitano spazi liminali. Le scene non occupate di questa serie creano un
palcoscenico aperto che confronta lo spettatore con temi di scelta ed esitazione. L'attenzione si concentra su elementi come le scale, non solo come strutture fisiche ma come simboli del potenziale e dei passi che dobbiamo ancora compiere.
Questi "Lonescapes" riguardano narrazioni in pausa e
la quiete prima che una storia si svolga.
Intendo che ogni pezzo inviti lo spettatore a entrare nella scena, riempire il vuoto con riflessioni personali e considerare il viaggio verso nuove prospettive e crescita. Questa serie esplora la bellezza invisibile e la pausa introspettiva che offre, incoraggiando la ricerca della scoperta di sé all'interno di questi spazi realizzati artisticamente
Si tratta di rendere omaggio all'eroismo non celebrato che si trova nella gente comune. La serie esplora temi come l’insicurezza, la solitudine e le varie sfide che tutti affrontiamo, evidenziando gli atti di coraggio e perseveranza spesso trascurati. Ogni pezzo di "Heroes" è realizzato per celebrare questi momenti tranquilli ma significativi di coraggio e trionfo nello spirito umano.
Il messaggio centrale è che l'eroismo non è sempre forte o grandioso; a volte, è sottile quanto la determinazione interiore di riprovare ad andare avanti nonostante le probabilità.
“Lonescapes”: questa nuova impresa rappresenta un’immersione profonda nei paesaggi della mia arte e, per estensione, dentro di me. 'Lonescapes' si discosta dai miei lavori precedenti, in cui le figure spesso abitano spazi liminali. Le scene non occupate di questa serie creano un
palcoscenico aperto che confronta lo spettatore con temi di scelta ed esitazione. L'attenzione si concentra su elementi come le scale, non solo come strutture fisiche ma come simboli del potenziale e dei passi che dobbiamo ancora compiere.
Questi "Lonescapes" riguardano narrazioni in pausa e
la quiete prima che una storia si svolga.
Intendo che ogni pezzo inviti lo spettatore a entrare nella scena, riempire il vuoto con riflessioni personali e considerare il viaggio verso nuove prospettive e crescita. Questa serie esplora la bellezza invisibile e la pausa introspettiva che offre, incoraggiando la ricerca della scoperta di sé all'interno di questi spazi realizzati artisticamente
Quale sarebbe la tua esposizione ideale per le tue opere? Come immagini la mostra perfetta per la tua arte?
Nella mia mostra ideale, il confine tra arte e pubblico si sfuma, dove gli spettatori non si limitano a osservare ma diventano essi stessi parte integrante dell'opera d'arte.
Immagino di trasformare lo spazio espositivo in un ambiente immersivo che rispecchi l'architettura minimalista
ambientazioni dei miei pezzi. È qui che i visitatori entrano nelle scene, diventando soggetti all'interno di questi spazi liminali, dove ogni persona si impegna attivamente nell'arte, ritrovandosi all'interno della narrazione e dell'ambiente. Si tratta di trasformare la visione passiva in un'esperienza attiva di scoperta di sé e di riflessione. Questo concetto
eleva la mostra da semplice osservazione a un viaggio personale, consentendo ai visitatori di esplorare e connettersi con i temi della solitudine, dell'introspezione e della bellezza di tutto ciò mentre diventano letteralmente parte dell'arte.
